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聲樂,在歌唱訓練當中,經常遇到一些人在唱歌時為了追求音量而大聲喊叫,這是不對的。下面這些是我為大家推薦的關于最科學的聲樂訓練方法的相關資料。

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中音階梯|

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2019-11-26

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音樂藝考培訓|

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聲樂,在歌唱訓練當中,經常遇到一些人在唱歌時為了追求音量而大聲喊叫,這是不對的。下面這些是我為大家推薦的關于最科學的聲樂訓練方法的相關資料。聲樂在歌唱訓練當中,經常遇到一些人在唱歌時為了追求音量而大聲喊叫,這是不對的。下面這些是我為大家推薦的關于最科學的聲樂訓練方法的相關資料。最科學的聲樂訓練方法:“哼唱哼唱練習很容易獲得假聲和混聲,對聲區的統一有很大的幫助。用閉口哼唱和開口哼唱交

聲樂,在歌唱訓練當中,經常遇到一些人在唱歌時為了追求音量而大聲喊叫,這是不對的。下面這些是我為大家推薦的關于最科學的聲樂訓練方法的相關資料。

聲樂

在歌唱訓練當中,經常遇到一些人在唱歌時為了追求音量而大聲喊叫,這是不對的。下面這些是我為大家推薦的關于最科學的聲樂訓練方法的相關資料。

最科學的聲樂訓練方法:“哼唱

哼唱練習很容易獲得假聲和混聲,對聲區的統一有很大的幫助。用閉口哼唱和開口哼唱交替練習,使聲音逐漸變豎、變圓、變集中,使集中的聲音往頭腔里輸送,以求獲得進一步的頭腔共鳴。

練習要求:首先盡量把聲音位置掛在鼻咽處,用一種擤鼻涕的感覺來帶著哼,盡量找到“暈呼呼”的感受。其次,笑肌要提起,自然的面帶微笑。喉嚨要自然放松、打開,喉結放在最低的位置上。再次,要在橫膈膜有力的支持上哼唱,全身要通暢,尤其是肩、胸部位要放松,向下嘆著唱。最后,在正確的哼鳴下,再帶入其他母音,要求在帶入其他母音時,一定要注意其面罩共鳴的位置,呼吸支點等均要與哼鳴相同,包括聲音走動的方向、路線、感覺要一致。交替使用張口和閉口的發聲練習,可以幫助把聲音的集中點保持在頭腔的最高部位。如果歌唱者在哼唱一個長音時,肌肉是放松的,能把下巴慢慢地放松下來,直到口慢慢地張開,而對哼唱時形成的聲音共鳴不會有任何的干擾,這也可以作為對正確哼唱和正確共鳴的一種測驗。

對以上幾個方面進行逐項檢查,反復練習,一直到開口音正確了,然后才能將哼鳴抽掉。由于哼唱用力較小,聲音較輕,聲音一直回旋在鼻腔和鼻咽之間,因此便于體會鼻腔和鼻咽腔的共鳴。在做哼唱練習時,喉頭一定要放松,上胸要放松,氣息要自然深沉而有控制。一旦有了鼻以上的共鳴感,就要將這種感覺慢慢地過渡到a、e、i、o、u幾個元音上去。要記住哼聲唱是大聲唱的基礎,只有掌握好哼鳴的位置和哼鳴的色彩,才能使聲音往鼻咽以上的眉心處集中而獲得高位置的頭腔共鳴。要反復體會,反復練習,才能體會和找到真假聲結合的自然歌唱狀態。哼聲唱不論高低、強弱都要帶有靠前富有穿透力的自然頭聲,為使高、中、低三個聲區的聲音銜接自然、統一創造良好的條件。哼唱的好處是使喉嚨自由與放松并防止喉音。如果整個聲音通道不是處于全然的放松狀態,就不能把聲音唱好。

用“恩”字做哼唱練習時,可使前鼻腔硬腭之上感到震動而軟腭前部扯緊。“恩”字位置較靠前,用這個位置歌唱表現為輕型女高音色彩。用“昂”字哼唱,可打開鼻咽腔,使硬腭后部軟腭感到震動,共鳴點適中,鼻、咽、胸三腔同時感到震動,聲音色彩比較明亮,為典型的抒情女高音色彩。用“翁”字哼唱,如:中、東、雍等字,喉位降低,軟腭打開更大,舌根產生震動,胸腔共鳴增多,發聲時有較暗的聲音色彩,這種聲音為戲劇性聲部所特有。萊莉·彭斯在《談歌唱》一書中曾說:“我用哼音歌唱許多音階和練習曲,這種練習對我是非常有用的。”

最科學的聲樂訓練方法:小聲唱

在哼唱的基礎上,使聲音慢慢地出來,采用小聲唱,使聲音容易集中,歌唱者不緊張,不疲勞,思想也相對的集中,思維也會活躍,有利于主觀的控制和正確狀態的形成,以及使氣息能夠合理地運用。學生通過可自己發聲的反饋,去自覺地建立起正確的聲音概念。在此階段,嚴禁大聲歌唱,樹立起正確的小聲唱概念,可以幫助學生調理出舒適、優美、光彩的、規范化的音色,而后通過發聲器官的相互配合,唱出清晰、明亮、輕松的小聲來,這也是聲音訓練的基礎。

小聲唱, 可以避免學習聲樂中的大聲喊叫的毛病,并且也能解決高音唱不上去的問題,對聲音的統一有著不可忽視的作用。同時,小聲歌唱可以對吐字不清有很好的幫助;對歌唱的感情有很好的培養。在學習過程中,很多同學不愿意去做小聲唱的練習,急于求成,對老師的要求充耳不聞,從而在聲樂學習道路上,耽誤了時間,走了彎路。教師要給學生強調輕聲歌唱的好處,用道理去說服他們。

最科學的聲樂訓練方法:假聲唱法

每個人都能發出輕而微弱的假聲,假聲的音量和力度都很微弱,聲音效果虛弱纖細,與唱歌音響有一定的距離,但絕不可忽視了它的獨立作用。歌唱者在演唱高音的時候,常常出現發緊、發憋的現象,都是由于沒有很好地練習發假聲的機能。沒有假聲,就不會練出來正確的半聲唱法,也得不到真假混合的大聲,也就不會用頭聲歌唱,表現力也必然很差。

重視練習掌握和運用假聲這一發聲技巧,它會給歌聲的高位置帶來奪目的光彩,同時也會給自己帶來意想不到的驚喜。在練習時要注意的是:在嘴前、舌頭上發出像蚊子似的假聲,這是靠提喉、擠卡發出的虛聲,這種聲音只能單獨存在,形成真與假很不協調的音色,不能摻入過渡到頭聲中產生真假混合的聲音,從而導致聲樂學習的失敗。這就需要在學習時一定要分清歌唱中所要求的正確的假聲。假聲的唱法有兩種:一種是從嘴前哼出來的極其微弱的細聲,另一種是喉包里發出的小筒狀的聲音。我認為第一種唱法是不科學的,第二種唱法是科學的。那么如何辨別發假聲的好與壞呢?

我們只能從感覺和唱出的音色上來辨別。正確的假聲發源地在震源體上,通過很薄的聲帶邊緣和少量的氣息撫摩著聲帶發出的小振頻的聲音來。應該明確指出,假聲并不是假聲帶所發出的聲音,它絕不是發聲的震源體,它本身也沒有調節的能力,發出來的音量很小、很弱。雖然如此,但它還是利用了發聲各腔體的作用,在整個歌唱聲音中起高位置向導作用。

它也是聲帶機能的一種表現,在全部聲音中占百分之二十。唱假聲時,聲音雖然很小很輕,但絕不消極、被動、松垮,它是建立在有呼吸基礎上的假聲,而不是無呼吸、有氣無力的虛、暗、弱、小的聲音。初學者唱假聲時喉頭容易向上移動,這時候要引導學生穩定喉頭,加微笑狀的感覺使聲音進入頭腔。在學習者的意念中要做到假聲真唱,要以興奮的、積極的狀態,向遠處喊人的精神狀態去唱。做到唱假不假,假聲真唱,唱出來的假聲要做到不空、不暗、不虛。要不厭其煩地去練習。

正確運用好假聲,是聲樂訓練中能否進入半聲、進入頭腔突破高音的關鍵。這一階段的訓練要注意盡量選用從高到低的練聲曲練習,因為這樣容易體會頭聲的最佳位置。有的教師認為男高音沒有假聲,不需要練習。我認為科學的唱法應該是混聲唱法,即“以真聲為基礎的按比例真假混合唱法”。不論哪個聲部,不論男女老少,高低聲區都應當是混聲,只是比例不同而已。人們對女高音在高聲區用混聲沒有異議,但對男高音也用混聲有些疑惑不解,其實,就是男低音也應當是混聲。

最科學的聲樂訓練方法:半聲唱法

這種唱法是在深呼吸的狀態下,保持哼唱狀態的同時,增加聲帶的張力,加強氣息的支持,進一步打開喉嚨,用一定力度的控制能力來發出半聲來,記住在演唱時要用“哼鳴”和“小聲唱”的感覺來帶出半聲唱,否則,聲音就會有改變。半聲唱只是音量上聲音擴大了,其歌唱的感覺并沒有變。

首先,在練習漸強的哼唱的同時,仔細體會氣息對哼鳴的支點感覺,同時要嚴格保證大聲時的不變和位置的準確,注意氣息控制的均勻和聲音之間的關系。

其次,在練習漸弱的發聲中,要仔細體會音量漸弱的發聲動作須嚴格保持不變,以保證聲音共鳴位置的準確與氣息支持作用的穩定。

再次,要根據自己掌握的情況,音量可以從中強至中弱進行。鞏固以后,可以從弱到強甚至更強的范圍中進行練習。要注意,這一階段的練習一定要加強興奮感,進一步打開喉嚨,在哼唱狀態下放大聲音,讓聲音得到頭腔共鳴以及胸腔共鳴。這種既有氣息支持,又有穩定的喉頭以及整體共鳴的聲音會給人一種朦朧的美感。在練習當中,最好多用“嗚”母音練習,練習中加入“嗚、淤、依”母音,容易找到通向頭腔的通道。由于發“嗚”母音時舌位低,軟腭和小舌向上拱起,口腔內開度較大,氣息能很集中地呼出,因此,容易唱出既豐滿又通暢的半聲,對打開頭腔,由輕聲過渡到真聲,都有很大的幫助,從而達到輕聲唱法的目的。我們既要利用輕聲弱聲尋找半聲的效果,又要重視輕聲唱法的基本功,重點抓住“建立正確的輕聲歌唱”,它直接關系到輕聲練習四個階段的聲音通暢和適應性。解決好“歌唱的喉嚨狀態”,發出真中摻假、假時藏真、真假混合在一起的甜美圓潤、剛柔兼備、易于控制、能強能弱的歌唱性聲音。而建立歌唱性的聲音是聲樂學習的第一步,也是歌唱者較難掌握的一步。

最后,根據學生聲音的具體情況,注意適度打開喉嚨,體會自然張口往里深吸氣時剎那間喉嚨的狀態和感覺,體會自然深吸氣時的瞬間過程,軟腭自然上提,舌根下降,喉結下放,喉肌松弛,這時整個身體、呼吸器官、發聲器官及至共鳴器官都進入了開而放松的歌唱最佳狀態,唱出飽滿的聲音,從而達到“輕聲唱法”的目的。

“輕聲唱法”作為一種先解決音質、逐步解決音量的科學的發聲訓練方法,對于歌唱器官在歌唱時的協調活動非常有利。因為歌唱是一種特殊形式的運動,正確的歌唱是各發聲器官的協調活動的結果,一個器官的興奮總要伴隨著另一個器官的抑制,如果用喊叫式歌唱,全部注意力不由得便集中到聲帶上,這樣,必然使其他一部分發聲器官與歌唱器官的神經系統難以形成協調的神經聯系,發聲器官的協調活動最終難以實現。而用輕聲唱歌,則極大地減輕了聲帶的負擔,對于協調各發聲器官的活動無疑能起到積極作用。

總之,“輕聲唱法”通過教學實踐,證實了它有很多的好處:第一,它可以使聲帶得到相應的保護,避免大音量練唱時聲音粗糙、刺耳以及過分用力所造成的聲帶損壞。第二,輕聲訓練可以自然地使聲音里混進假聲成分,較容易地找到發高音的位置,增強歌唱時發高音的能力。如果高聲區混不進假聲,唱高音就會相當困難。第三,輕聲訓練可以校對歌唱聲音的正確與否,可以識別不正確的聲音,培養敏感準確的聲音辨別能力。因為輕聲唱法是用小聲去唱,可以用它控制練習咬字、吐字的清晰度、準確性。第四,輕聲唱法可以解決聲樂學習中大聲唱歌、過分用力的毛病,把該放松的肌肉如下巴、喉頭等打開、放松。第五,輕聲唱法可以加強聲帶發聲機能的耐力,既能保持聲帶健康,又能醫治受傷的聲帶,使其恢復能力。通過輕聲唱法的訓練,大部分學生能順利地找到正確的發聲狀態和感覺,對統一聲區,解決高音有著明顯的效果,對于男高音的“恐高癥”也是一劑良藥。輕聲唱法既適合于美聲唱法,也適合于民族唱法的訓練。

什么是公路音樂



如果真要解釋什么是“公路音樂”的話,或許需要先定義下“公路”這個詞。“公路音樂”應該多在美國電影里有所體現吧。這個公路不是京珠高速、不是國道308,也不是帝都的N圈環路(這些路上放的是街邊兒賣的所謂“發燒汽車音響試音的士高”),而應該是Route 66、Highway 25之類的美國公路。


在公路上,你不會只有一種情緒,同樣也不會只聽某一種音樂


比如烈日驕陽中,你在亞利桑那州穿越無盡戈壁時,來首 AC/DC 《Highway to Hell》夠味兒的硬搖滾風格,標志性的吉他riff和唱腔。年輕的帥哥美女們坐在車里跟著音樂扭動著豐乳肥臀什么的,夠公路了吧?


又或許你是獨自遠行的夜行者,月光靜靜地灑下,籠罩著你和你身后的大地,來首JEW的《Night Drive》輕輕附和,心情也還可以吧?


再或者你是心靈的懷舊者,正在身體力行地丈量66號公路,讓Chuck Berry給你唱首《Route 66》又何妨?


Bob Dylan還在60年代的Highway 61等著你呢。


90年代的底特律,8mile街區之外的公路,或許是Rap的天下。


而在迪安和薩爾的路上,飄揚的應該是40年代的Bebop吧。


這就是我所理解的公路音樂。你身處的環境,你所在做的事,你所走的路,還有你自己。


當然,我們還是有自己的公路音樂的。說個故事,大概一年前,我和三個好基友騎行在國道310和某省省道308上,那是疏于鍛煉的我們第一次上路——回程大概就是相當于累死的程度。 我們一路唱著歌,互相打勁。后來有座橋,我們蹬得格外吃力,馬上就要放棄了……這時候我們咬著牙一邊唱《再見杰克》的前奏一邊使勁,最后度過難關,榮歸故里。


我們唱……“蹬蹬蹬蹬 等蹬等deng 蹬蹬蹬蹬 等蹬等deng 蹬蹬 等蹬蹬 等蹬蹬 等蹬蹬蹬蹬蹬蹬等蹬”


這也是我們幾個的公路音樂吧。

高考作文考音樂了!學過音樂的考生優勢太明顯!

每年備受大家關注的高考已經落下帷幕,等待成績放榜,1031萬考生為自己十二年苦讀畫上圓滿句號,其中上海市語文考卷作文考音樂,在朋友圈迅速刷屏。

上海卷語文試題作文題目▼

網友紛紛感嘆:“沒學過音樂,連高考作文都寫不出來了!”“后悔沒有讓孩子早點學音樂”……

盡管試卷中只是以音樂帶出“中國味”,可對于那些從小學就一直埋頭在書本中,沒有接觸過音樂的孩子們來說,想通過音樂這個引子帶出精彩的開頭,與所學知識融合扣題,讓考官給出高分,還是很有難度的。

只有上海卷考了音樂?無獨有偶,適用于河南、河北、山東、湖北、湖南、廣東、福建、江西、山西、安徽多個大省的全國卷Ⅰ高考語文試題也考到了音樂,其語言文字運用部分材料為介紹中國傳統音樂古琴。

全國卷Ⅰ高考語文試題▼

這下,學過音樂的孩子優勢可是越來越明顯了:

學音樂為孩子提供了多種升學途徑

如今高考人數逐年增加,分數也越來越高,競爭異常激烈,對很多學生來說單靠文化分考上重點一本大學難度不小,但如果你會一門音樂技能,就能可以享受中考加分、高考特長生降分的優惠。國內招收藝術特長生的高校全部為211、985重點一流大學有音樂特長的同學就比別人多了一個進入一本院校讀書的機會。

在音樂方面天份高,專業更突出的學生也有機會選擇藝考生這條路,文化課降分優惠力度更大,考上頂尖音樂學院,盡情的學習音樂知識,在音樂的海洋里熏陶,感受濃厚的音樂學術氛圍。

國外學校對藝術特長同樣重視,想出國留學,語言成績好、興趣豐富、能力超群的孩子更容易脫穎而出。

學音樂、學藝術為考上名校提供更多的選擇,多學一門特長更是為人生加分。

學音樂利于以后的工作

會彈樂器、唱歌好聽,懂音樂,對藝術有獨到見解的人更容易得到他人的欣賞,產生好感,在找工作應聘時,也更受面試官的青睞,很多企業也會把藝術特長納入招聘的優先考慮條件。

企業公司少不了團建、年會等活動,會音樂的人,你就是全場的焦點,在工作中,也容易被大家關注。

學音樂不是為了長大后成為音樂家,而是讓孩子受益

學音樂的孩子那么多,但能成為音樂家的寥寥無幾,中途止步放棄的,或是畢業后轉行的才是目前大多數學音樂孩子的現狀。雖然如此,音樂依然是人生不可或缺的一部分。

現在的社會,已不是純靠死記硬背就能考出好成績的年代,而是一個在興趣和熱情中能得出創意理念和建設性思維方式的時代,需要素質更加全面的綜合型人才。書要背,藝術同樣需要熏陶。

馬云說“不讓孩子學藝術,將來找不到工作”,李開復說“學音樂,是對孩子未來最具價值的投資”。通過音樂獲得的諸多益處,對個人成長所產生的潛移默化的影響,情商、感知能力、堅韌頑強的性格品質、藝術修養、審美、比書本知識更重要,是孩子一生的財富。

音樂將來也無法被替代

當今社會,科技飛速發展,很多工作技術未來會被人工智能替代,但是音樂不能。作曲家創造出的音樂作品,賦予了人的情感表達,不同演奏家所表現的音樂作品,帶給聽眾不同的直觀感受,是智能機器無可比擬的。

所以,讓孩子學音樂,學藝術吧,以后每個孩子接受美育,接受藝術教育將會是人生標配。

論述複調音樂在中世紀的產生與發展

論述複調音樂在中世紀的產生與發展


音樂的起源關於人類社會音樂的起源,可以追溯到非常古老的洪荒時代。在人類還沒有產生語言時,就已經知道利用聲音的高低、強弱等來表達自己的意思和感情。隨著人類勞動的發展,逐漸產生了統一勞動節奏的號子和相互間傳遞資訊的呼喊,這便是最原始的音樂雛形;當人們慶賀收穫和分享勞動成果時,往往敲打石器、木器以表達喜悅、歡樂之情,這便是原始樂器的雛形。

a、絃樂器起源的傳說:墨丘利(Mercury)是希臘神話中諸神的使神。有一天他在尼羅河畔散步,無意中踩到一個東西,那東西發出了美妙的聲音。他拾起來一看,原來是一個空龜殼內側附有一條乾枯的筋。於是墨丘利從中得到啟發,發明了絃樂器。後人考證絃樂器出現在墨丘利之前,但弦樂的發明有可能正是從此得到了啟發。

b、管樂器起源的傳說:在中國古代,距今五千年前的黃帝時期有一位叫做伶倫的音樂家,傳說中他曾進入西方昆侖山內采竹為笛。當時恰有五隻鳳凰在空中飛鳴,他便合其音而定律。雖然這一傳說並不完全可信,但把它作為管樂器的起源也未嘗不可。

埃及、阿拉伯的古代音樂,古埃及文明是世界上最古老的文明之一。在金字塔內石壁的雕刻上,我們可以看到音樂演奏者的行列,從而想像出當時演奏音樂的盛況。雕刻中有以手指彈奏的豎琴狀絃樂器,還有各種笛類樂器。阿拉伯等地區的器樂也相當發達,很早以前他們就開始使用在一個八度之間分為十七個音名的特殊音階了。

古希臘和古羅馬音樂,希臘音樂的起源也籠罩著一層神秘的色彩。傳說中阿波羅神主管音樂,下轄九位元繆斯(Muse)女神,因此音樂也稱為Music或Musik。在希臘樂器中,有一種叫做阿烏洛斯的V字型雙管笛,還有一種叫做里拉(Lyra)的手琴,齊特爾(Kithara)則是一種類似吉它的絃樂器,這些樂器都是從埃及或阿拉伯傳入的。在古希臘人的生活中,音樂的地位是十分顯著的。他們以從埃及和阿拉伯流傳過來的東方音樂為基礎,逐步加以發展和變化,形成了自己的音樂。古希臘的音樂與詩歌和戲劇有著緊密的聯繫。在他們那充滿魅力的兩部荷馬史詩和許多著名的戲劇作品中,都體現出了音樂的重要意義。當時社會上一些著名的民間歌手演唱的歌曲,對古希臘音樂的形成和發展,也具有十分重要的意義。古希臘音樂在許多方面都有著重大的成就。西元前六世紀,古希臘大哲學家和數學家畢達哥拉斯(Pythagoras)用一種稱為弦琴(Monochord)的單絃樂器,首先解釋出純律理論,根據弦的長度計算出了當時所使用的一切音程。畢達哥拉斯音律的發明與應用是音樂理論方面的重大突破。其次古希臘人還發明了字母記譜法。在樂器的製作上也有著許多大膽的革新和創造,發明了一批過去不曾有過的樂器。古希臘音樂不但有器樂伴奏的獨唱抒情曲,而且還有戲劇音樂和舞蹈音樂等形式。這些音樂一般都是以單音音樂為主,在內容上大多為宗教題材。古羅馬的音樂主要是沿襲古希臘音樂的巨大成就。當時的音樂主要是在祭神、婚宴以及軍隊凱旋時演奏。西元三世紀以來,古羅馬大肆向外擴張勢力,對鄰近城邦進行野蠻的侵略和掠奪。許多古希臘的優秀樂師和歌手們都變成了古羅馬帝王、貴族和奴隸主的奴僕,因此音樂也就成為專門為統治階級消遣娛樂的工具。但古羅馬的音樂文化並沒有因循古希臘而停滯,一些民間的歌謠、結婚歌曲、士兵歌曲以及音樂舞蹈得到了一定的發展。在不斷的發展過程中,出現了用拉丁語演唱的古戲劇。另外,軍隊中銅管樂器的出現也是古羅馬音樂的主要特徵之一。

原始時代的人類,他們的勞動生活,可以說是和音樂為伴而開拓發展,兩者是緊密聯繫在一起的。從這個意義上來說,音樂是直接從人類的勞動生活中產生出來的。

古代的兩河流域(底格裏斯河和幼發拉底河),是重要的人類文化發祥地之一。當時富饒的美索不達米亞地區(今伊朗、伊拉克一帶),在西元前四千年已有了較為發達的音樂。當時生活在這一帶的蘇美爾人已有了類似豎琴式的樂器和幾種管弦樂器。在當時的宮廷裏已產生了專業的歌手和較大型的樂隊。後來,這些較先進的音樂文化逐漸流傳到埃及、希臘、印度和中國等古老的國度,並在這些地區得到了進一步的不同形式的、具有民族色彩的發展。雖然各民族、各地區的音樂發展不盡相同,但其基本的發展方向都是由世俗音樂逐漸趨向於宗教音樂。


中世紀的音樂,對日後的音樂有其促進和推動發展。類似可分以下幾點。

一、基督教與中世紀的音樂在中世紀的歐洲,教會的權力高於國家和其他社會集團。當時,一切社會意識形態,包括各種藝術以及哲學在內的各方面都要為教會服務,因此中世紀的音樂借助於基督教而取得了不尋常的發展。可以說從音樂的全部理論到記譜法,從合唱、合奏到鍵盤樂器的興起及教學,無一不是與中世紀的教會休戚相關的。今天的交響樂和歌劇雖然在內容上絕大部分是描寫世俗的,但它們與中世紀的教會也有著千絲萬縷的聯繫。

教會音樂,最初是原封不動地採用了從猶太王國傳來的形式,即歌唱聖詩、朗誦聖經,是純粹的聲樂。宗教音樂歷來以聲樂為主,這是因為聲樂有歌詞。與此相反,器樂主要是作為世俗音樂而得以發展起來的。從原始的單音音樂過渡到複調音樂,是中世紀音樂的重要特徵。此外,中世紀音樂在理論上也有了很大的發展,完成了對位法和線譜記譜法。樂器的發明與製作也有了不小的進展,長號、小號和圓號等樂器在當時已廣為流行,弓絃樂器(如維奧爾琴)也有了普遍的應用。

二、羅馬風格“羅馬風格”一詞來源於當時的建築用語。羅馬式音樂是世界藝術史上最偉大的紀念碑式的遺產之一。這種音樂既無和聲也無伴奏,它的特徵是以齊唱形式為主,通過教堂天井的回音而產生莊嚴的和聲感,其純樸、清麗的宗教感情與羅馬風格的教堂建築如出一轍。羅馬式音樂是中世紀時期的重要音樂形式之一,其代表當首推葛列格里聖詠(Gregorian Chant)—— 一種典型的天主教音樂,它是純粹的單旋律歌唱。在漫長的中世紀裏,葛列格里聖詠對音樂做出了重要貢獻。在葛列格里聖詠中,已經有了多利亞調式、弗利幾亞調式、裏第亞調式、混合裏第亞調式等四種教會調式及其變格調式。到了十六世紀,出現了愛奧尼亞調式及多利亞調式,進而演變成今日的大、小調音階。葛列格里一世時代,曾在羅馬設立過稱為“歌唱班”的教授聖詠的學校,這可謂世界上最早的音樂學校之一了。安普羅修斯( Ambrosius,340-397)聖詠則收集了在教會中所唱的歌曲,並為教會音樂制定了由七音組成的四種教會調式音階,還創造了對唱等形式。在聖詠中,歌詞極為完美地與語言的語勢、聲調高低和節奏關係結合在一起,它們把宗教感情表達得盡善盡美,可以作為這一時代音樂藝術的總結。

三、中世紀的世俗音樂是以宗教音樂為主的,當時的音樂活動也只局限於在教堂的範圍內,而民間流行的世俗音樂是被禁止的。雖然如此,在民間仍有許多流浪歌手和游吟詩人。這些窮困的、社會地位極低的民間藝術家們對於宗教音樂對音樂藝術的桎梏十分不滿,他們利用各種方式在民間廣泛傳播世俗音樂。這種音樂(包括讚美詩、愛情歌曲、牧歌和諷刺歌曲)在形式和內容上都較接近民風世俗,充滿著民間的感情。這種民間的世俗音樂在當時已開始醞釀成為一種潛在的音樂潮流,到“文藝復興”時期,這種音樂潮流隨著社會形態的發展與轉變,逐步取代宗教音樂而成為音樂藝術的主流。

從十三世紀中後期到十四世紀,哥特風格的藝術在北歐悄然興起,並明顯地表現於建築方面。在音樂中,哥特風格雖然沒有形成代表一個時代的形式,但在起始於奧幹努姆(Organum)的複調形式中,卻相當明確地表現出哥特風格的特徵。在十三世紀的經文歌中,除了莊嚴的葛列格里聖詠的固定旋律外,還有採用舞蹈和愛情歌曲的旋律,配以不同歌詞和拍子共同歌唱的形式。十四世紀下半葉,歐洲的社會意識形態開始發生深刻的變化。一些先進的、具有推動意義的新思想醞釀並逐漸傳播開來。其中最有代表性的即人文主義思想。人文主義主張以人為本,人是社會的主宰而並非是神。頌揚人類對生活的熱愛以及人類的智慧,相信人的力量能戰勝一切。提倡人性,反對中世紀的禁欲主義。在人文主義思潮的影響和推動下,歐洲發生了一場涉及政治、文化等多方面的深刻的變革

披頭士樂隊:花的姿態

假如你能找到一個時光機帶你回到1967年夏天的舊金山,千萬別忘了松一松上衣的紐扣并在耳朵旁插上一朵花。否則,你不但會被一群群長發披肩、絡腮胡子、衣著艷麗但邋遢的年輕男女視為怪物,還將錯過歷史上最令人難以忘記的一個夏天——舊金山的這個被稱為“愛之夏”(Summer of Love )的夏天沒有比基尼、沒有帥哥辣妹、沒有陽傘、滑板、防曬霜、摩托艇、沙灘車,但是有愛、有和平還有音樂


我說的當然是“嬉皮士”,歷史上最怪的一群人,他們的身后總是留下一段段駭人聽聞的傳說,卻又總是令后世心馳神往。尤其是他們頭上插著的那一大朵花,純潔、驕傲、堅定地綻放著,讓人覺得它們仍然是鮮活的,因為它們把根扎在了嬉皮士們崇尚“愛與和平”的靈魂里。


這讓人想到了另一外的一朵花,爵士名伶Billie Holiday頭上同樣開得驕傲的那朵大百合。本來,“花”在流行音樂史上并沒有特別的意義,但是,因為Billie Holiday、因為Pete Seeger,“花”被賦予了強烈的鮮活的生命力——每次聽“美國民歌之父”Pete Seeger唱“Where have all the flowers gone?”都讓人都覺得心口仿佛被宛去了一小坨肉。


那些花兒并沒離大家遠去,它們仍然會怒放,仍然在找機會展示自己驕傲的姿態,透著一股舍我其誰的純粹。證據呢?在此!The Beatles!他們不但是流行音樂史上最美麗的花朵,也是嬉皮士時代最驕傲的花朵。或許,在1965年以前,那四個英國小伙兒更多的展示自己制造熱門歌曲的天賦,但是,1965年開始,在Bob Dylan的影響下,他們擺出了另外的一種姿態,展示了自己更上一層樓的雄心壯志。


除了在音樂中加入了大量實驗性的器樂外,約翰·列儂腦袋上的那朵花也很能說明問題。那是一組很有名的相片,列儂在自己的眼睛上放了一朵花,之后還擺出給花澆水的姿態。雖然,我們不從考證列儂最早是什么開始跟花扯上關系的,但是,從相片上,我們可以看出,這時的列儂依然不在是當初那個頂著蘑菇頭的規規矩矩的青春偶像。


1967年,在嬉皮士運動進入高潮的同時,Beatles也用長發、胡子以及一張革命性的專輯徹底告別偶像時代。這張專輯有個奇怪的名字,《Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band》,胡椒軍士孤獨的心俱樂部樂隊。唱片里,Beatles圍繞著“胡椒軍士孤獨的心俱樂部樂隊”這個虛擬的樂隊做文章,用花樣百出的器樂和悅耳動聽的旋律拼出了一個完整的故事。


這是流行音樂史上的第一次,所以這張專輯被公認為史上第一張概念專輯。


“概念”固然重要,但更重要的是“花樣百出”——就像專輯封面所展示的那樣。作為最偉大的音樂創作人,Beatles(主要是列儂和麥卡特尼)的創作水平是毋庸置疑的。只不過,在Beatles還是“偶像”的時候,他們的歌表現出來的特質更多是清新健康、旋律優美、瑯瑯上口。而《Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band》就不一樣了,這張專輯不僅僅只是各種元素的簡單累加,而是一個復雜的化學方程式——一個將Beatles從1965年開始嘗試的迷幻搖滾、印度音樂、實驗器樂等諸多手法通過化學反應重新排列組合并最終構成了一個全新的Beatles。這支全新的Beatles不但比從前成熟、深邃、天馬行空,而且徹底打破了大家對于他們的“偶像偏見”,用大量的隱喻性手法旗幟鮮明地表達了自己對于社會現實的種種看法。


從中,我們可以很清楚地聽出“花”的姿態、“花”的力量。比如,他們唱“你不需要別人嗎?我就需要有人來看”(《With A Little Help From My Friends 》)、他們唱“每個人都像你一樣微笑著瓢過花的身旁,那些花兒高大得不可思議”(《Lucy in the Sky with Diamonds》),還有“我們談論關于我們可以分享的愛,我們盡力用自己的愛來維護它”(《Within You Without You》),這些歌曲毫無疑問是對嬉皮士時代最擲地有聲的回應。


所以,在1967年的“愛之夏”,Beatles成為所有綻放的花兒里開得最美、最志得意滿的那朵。

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